Ocho artistas y dos horas: el Aula de Cultura organiza la primera exposición efímera de artistas malagueños

'Rebelión en la Fábrica. I Exposición efímera de artistas malagueños' reunirá obras de ocho creadores que se han ganado su sitio en la escena nacional e internacional con un lenguaje propio y reconocible. Los hay de diferentes generaciones: nombres de larga trayectoria como Alejandro Montiel y Darko compartirán sala con jóvenes talentos que despuntan como Pedro Hoz y Andrea Reina. Entre unos y otros, la cita convocará a una brillante promoción de artistas, en su mayoría formados en la Facultad de Bellas Artes de Málaga: ahí estarán Paloma de la Cruz, Vanessa Morata, Ana Pavón y Zoilo Blanca.

Cada uno de ellos expondrá una sola obra de gran formato –con alturas que rozan los dos metros en algunos casos– que define su identidad. Y estarán allí para explicarlas y comentarlas con el público. Las piezas de cerámica con las que Paloma de la Cruz simula textiles que cubren los cuerpos dialogarán con los tejidos pintados al óleo que ocultan figuras de Ana Pavón. Cuerpo sugeridos frente a los cuerpos explícitos de Alejandro Montiel, Pedro Hoz y Zoilo Blanca. Darko, por su parte, se mueve entre la escultura y la pintura con una obra en madera. Y el blanco y negro etéreo de Andrea Reina contrasta con la explosión pop de color de Vanessa Morata. Ninguna pieza dejará indiferente en esta muestra, que contará con la también artista Miriam Jordán a los platos poniendo música al evento.

'Rebelión en la Fábrica. I Exposición efímera de artistas malagueños' es una apuesta del Aula de Cultura SUR por las artes plásticas y la creación gestada en Málaga. Una radiografía de la escena más próxima que cuenta con la colaboración de Japón Montajes de Arte y el patrocinio de Fundación Unicaja y Cervezas Victoria, que abre las instalaciones de su fábrica en la Avenida de Velázquez para transformarse por dos horas en un centro de arte contemporáneo.

Jamás ha trabajado el torno, no sabría cómo manejarlo más allá de algunas formas básicas, pero el barro es su material de trabajo y la base de su lenguaje. Paloma de la Cruz (Málaga, 1991) reinventa la técnica de la cerámica y la transforma en una obra de arte, moderniza la tradición con piezas que remiten a cuerpos que no están y a los tejidos que los cubren. De crear texturas y pliegues con el barro pasó a coserlo directamente y, después, a ponérselo para dar el salto a la performance. «Para mí lo rebelde es no hacer la cerámica como un ceramista, sino como una artista». Por eso no busca la perfección en sus obras, al contrario, se nutre del error y se atreve a investigar. Formada en la Facultad de Bellas Artes de Málaga, expondrá en 'Rebelión en la Fábrica' recién llegada de la Casa Velázquez en Madrid, donde ha desarrollado durante los últimos diez meses una residencia artística, de la mano del Ayuntamiento de Málaga, que culminará en mayo con una gran exposición. Es una habitual de ferias internacionales, como ARCO y Estampa en Madrid, Artissima en Turín y ARCO Lisboa. Su obra forma parte de colecciones como en el CAC Málaga, Colección DKV y Colección KELLS, entre otras.

Comenzó a hacer grafitis inspirado por las obras que veía en las vías del tren durante sus frecuentes viajes a Málaga, pero Darko ha trascendido aquella primera dedicación para convertirse en una de las figuras más respetadas del arte urbano en España. Autodidacta, ha exhibido su obra en galerías y exposiciones colectivas en museos como Matadero Madrid, CAC Málaga, Neurotitan (Berlín) o Fundación Cini (Venecia), además de pintar murales en el Museo Ruso y el Centro Pompidou y aceptar encargos en espacios como el Hotel Higuerón. Hace casi una década dio un giro hacia la abstracción, explorando tanto la geometría en su serie 'Circles' como una expresión más gestual en 'Estratos'. Su constante vocación de transformación lo ha llevado a investigar nuevos soportes y técnicas, aunque su faceta más desconocida es su compromiso con la educación; suele impartir talleres y charlas sobre arte urbano a niños y adolescentes. Sus obras están presentes en colecciones privadas en España, Reino Unido o Alemania y han sido reseñadas en numerosas críticas de diferentes publicaciones nacionales.

Es un arte amable que invita a la sonrisa al primer vistazo. Hay personajes que forman parte del imaginario colectivo, juguetes y muebles de diseño. Todo mezclado y superpuesto en un espacio abarrotado. El resultado es un hogar lleno de objetos de deseo pero inhabitable. Un reflejo de la sociedad de consumo que nos invade. Vanessa Morata (Málaga, 1992) encierra una crítica detrás del estilo pop y colorido que le ha abierto las puertas de galerías de París, Los Ángeles y Hong Kong. La base de su trabajo es el 'collage', un proceso que comienza con el trabajo manual de recortar revistas y componer escenas, respetando sombras y sus pliegues. Después traslada el resultado a la pantalla del ordenador, y de ahí al lienzo. Formada en la Facultad de Bellas Artes de Málaga, Vanessa Morata combina el óleo con el aerógrafo para conseguir diferentes acabados. Y juega con los relieves y las texturas, porque eso también forma parte del origen del 'collage'. Una de sus obras acaba de ser adquirida por Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza para su colección de arte contemporáneo.

Alejandro Montiel (Málaga, 1972) tiene una formación clásica adquirida en la Facultad Alonso Cano de Granada. Ha estudiado a los grandes maestros y domina la técnica. Y eso está en su obra. De hecho, buena parte de su trayectoria la ha dedicado al retrato por encargo. Pero hay más. Cuando pinta lo que quiere, siempre aparece donde menos te lo esperas un elemento pop, algo fuera de lugar. El de Alejandro Montiel es un arte disruptivo que sorprende e impacta a primera vista. En una misma escena combina cosas «que en principio no deberían estar en el mismo lugar». Y consigue que ese contraste, a veces brutal, funcione y tenga un sentido. Una creación atravesada a menudo por el erotismo, como referencia al arte clásico donde el desnudo ha sido una constante, y por la ironía. Lo mismo coloca a las princesas Disney frente a una escena de 'bondage' que monta al príncipe Felipe IV a lomos de un T-Rex hinchable o compone paisajes imposibles por quienes conviven en él. Su intención es más estética que crítica, pero de trasfondo sí hay una reflexión sobre la doble moral y la hipocresía de esta sociedad.

Es una artista joven con una estética moderna, con piercings y tatuajes en los brazos. Vive en la era digital y se mueve en círculos absolutamente contemporáneos, pero en su propia creación se rebela ante esa realidad y gira la mirada hacia un imaginario de estampados clásicos, «de viejo» o incluso «cursis». «Es una especie de resistencia a lo más moderno, que es lo que vivo y de lo que estoy un poco harta», admite Ana Pavón (Coín, 1996). La malagueña explora las capacidades plásticas de la idea de lo oculto como método de seducción pintando tejidos que esconden cuerpos. Una pintura poética, llena de color, que se inspira en poemas de la antigüedad, en los versos de poetisas grecorromanas que han sobrevivido al paso del tiempo. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Málaga, Ana Pavón ha sido becada por la Fundación Antonio Gala y el año pasado obtuvo el Primer Premio en MálagaCrea Artes Visuales (en 2021 ya logró el tercer premio). Además, ha participado en más de una veintena de exposiciones individuales y colectivas, cruzando las fronteras hasta llegar a la galería Nanzuka en Tokio.

Su nombre suena cada vez con más fuerza. Pese a no tener referentes que se dedicaran al arte, Pedro Hoz (Málaga, 2000) ha logrado abrirse un hueco en el panorama artístico mediante la fusión de elementos surrealistas con influencias del arte pop. En 2021, durante una estancia en Seúl, documentó las experiencias y desafíos que encara un joven artista en una gran ciudad extranjera, una iniciativa que amplió sus horizontes culturales y le brindó la oportunidad de exhibir su obra en galerías coreanas, marcando el inicio de su proyección internacional. Un año después, en 2022, Hoz presentó 'La anatomía del subconsciente' en Alhaurín de la Torre, una colección que exploraba la anatomía humana a través de un prisma imaginativo, combinando estudios del cuerpo con personajes y dimensiones surrealistas y reflejando críticas sociales desde una perspectiva fresca y juvenil. En 2023 inauguró la exposición 'Antropomorfos en sus contextos y variantes' en VLAB Madrid, con once piezas que desafiaban la razón, acompañadas de pequeñas esculturas, y meses después firmó 'Undivining Divinity' en Fuenlabrada.

Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Málaga, Andrea Reina (Málaga, 2000) vuelca en su obra episodios traumáticos que le permiten hablar de algunas de las preocupaciones centrales de la condición humana como la violencia, la muerte, el cuerpo y la emancipación. Sus cuadros transitan de lo interno a lo externo, desde experiencias personales hacia una noción de libertad femenina y genealogía, mediante una poética visceral que conecta con otras mujeres del presente y del pasado. Estas conexiones no solo le aportan inspiración, sino también una vía para liberarse de sus propias experiencias. Entre sus influencias destaca la filósofa María Zambrano, cuya obra ha nutrido profundamente su pintura, dotándola de una dimensión poética. El año pasado presentó, junto a la artista Paula Lisbona, la exposición 'Reminiscencias' en la Nika Art Gallery de Málaga. Este año ha inaugurado su primera exposición individual en Casa Fuerte Bezmiliana (Rincón de la Victoria) bajo el título 'Inevitable sentir cuando se tiene un cuerpo' y con casi una veintena de obras de gran formato cargadas de emociones y simbolismos.

Firmó el año pasado su primera exposición individual en la galería El Estudio de Ignacio del Río, de la que salió con todo vendido. Zoilo Blanca (Málaga, 1997) es uno de los nombres más prometedores del panorama artístico español. Explora el cuerpo humano distorsionando y exagerando sus formas, inspirándose en el arte barroco y la escultura griega. Se formó en un estilo académico tradicional, prestando especial atención a las líneas precisas y los claroscuros vivos. Ahora opta por saltarse las reglas juguetonamente como un niño, creando formas humanas fragmentadas con rasgos sobredimensionados y cuerpos dañados que exploran las ideas de fuerza y vulnerabilidad de nuevas maneras. En sus naturalezas muertas humanas, Zoilo fusiona cuerpos con frutas, alimentos y objetos cotidianos, creando escenas que resultan simultáneamente familiares y extrañas. Esta aproximación irónica a la historia del arte combina respeto y humor, presentando figuras que parecen luchar por mantenerse íntegras, reflejando estados de ánimo perturbados y una constante búsqueda de equilibrio.